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Recuerdo, cuando, una profesora de la facultad de Historia del Arte, nos dijo sin titubeos: que nadie os engañe, el ser humano tiene la capacidad de entender el arte hasta el siglo XIX, de ahí en adelante, son horas de duro trabajo y mucha pasión. Y no le faltaba razón.

El arte emergente, de hoy en día, es un fiel reflejo de nuestra sociedad globalizada, y con el tiempo, las múltiples expresiones artísticas se convertirán en un documento indispensable para el estudio social, histórico, político, económico y estético de nuestro mundo.

Ambas ideas son vertebradoras en la producción de un joven artista brasileño, André Feliciano. Por un lado, el artista se pregunta, si una persona cultivada es alguien interesado en el arte, ¿por qué el arte mismo no puede ser cultivado también?

André Feliciano entiende el arte emergente como la semilla que el artista cultiva en un vasto campo, que debe cuidarse y vigilar el nacimiento de sus primeros brotes. Pero, según postula André Feliciano esto no sucederá hasta dentro de tres siglos cuando germine el arte de hoy en día y se hable entonces de arte floreciente.

En este periodo pre-floreciente André Feliciano siembra un arte de probeta, cultiva tulipanes, lirios, girasoles y rosas entre otras, pero no son flores al uso son pequeñas cámaras de fotos polinizadas de imágenes que captan instantes vivos que se almacenarán como riego necesario para hacer brotar el arte Floreciente.

El arte Floreciente es un injerto entre la primavera y el Renacimiento, una mezcla de tiempos de la naturaleza y la historia del arte, el arte esta vivo y forma parte de la vida de todos y cada uno de nosotros.

I remember when a professor from the Faculty of History of Art told us: people have the ability to understand the art until 19th Century, thereafter, people should work hard and to being passionate about contemporary art. The contemporary art shows our global society and over time, the multiple artistic expressions will become an essential document for historical, political, economic and aesthetic study of our social world. A young Brazilian artist, called André Feliciano, works with both these ideas. On one hand, the artist asks, if a grown person is someone interested in art, why art itself also can not be cultivated? André Feliciano understands emerging art as an artist who seed grown in a field which should take care and oversee the birth of their first shoots. But, according to André Feliciano, It will not start to germinate in the coming three centuries when the art of today will be able flourhish and then we will be able talk about flourishing art. In this time, André Feliciano grows tulips, lilies, sunflowers and roses among other, but not to use flowers, he uses small cameras pollinated of images which are captured in special moments. All photos will be irrigation in order to bring out burgeoning art. The Flourishing Art is a graft between the spring and Renaissance times a mixture of nature and the history of art, art is alive and will be part of the life of each and every one of us.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Installation. Bossy Gallery by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Installation. Bossy Gallery by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York.  2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York.  2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

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En los años 50 y 60 del siglo XX, en Estados Unidos, se origina una renovación culinaria, nuevos productos se convertirán en iconos de la cultura americana como la sopa de tomate Campbell, la Coca Cola, los kellog’s y el detergente Brillo… productos elaborados industrialmente y consagrados artísticamente gracias a Andy Warhol. Además se evidencia los gustos populares y nuevos hábitos alimenticios de la clase media americana y las innovadoras y exitosas estrategias de marketing y publicidad.

En este contexto, proliferan un nutrido grupo de artistas seducidos por el cambio que el ritual de comida había experimentado con el nacimiento de la sociedad de consumo, potenciado por las nuevas propuestas gastronómicas, la aparición de numerosas marcas alimenticias, el sistema de venta self-service, cadenas de fast-food, redes nacionales de distribución y la producción seriada hecha a máquina de numerosos productos.

Muchos son los artistas que trabajan el individualismo del acto de comer entendido como un bien de consumo, mientras que en los años 60 del siglo XX fue un éxito de masas, en la actualidad, es el germen de nuestra sociedad.

La artista americana Lee Price critica vorazmente la relación de la mujer con la comida. Presenta en sus obras un sinfín de alimentos ‘’prohibidos’’ tales como bollos, merengues, bombones, helados, galletas, hamburguesas, Doritos… y en ese caos hipercalórico se abre paso una figura femenina, su propio autorretrato, que revela una relación enfermiza con la comida.

La ingesta compulsiva de alimentos ‘’basura’’ se produce como respuesta a sentimientos y deseos no satisfechos. Lee Price escenifica el acto de comer cargado de una frenética sensación fuera de control en lugares privados e inusuales, como una bañera o una cama, que evocan la soledad e intimidad del ser humano. Además, Lee Price acentúa el dramatismo social y artístico a través de una perspectiva a vista de pájaro porque la mujer siente que vive la experiencia desde fuera del campo de actuación, se ve a sí misma, no es capaz de parar una conducta compulsiva porque es una adicción.

In the 50s and 60s of the twentieth century in America appear new products which will become icons of American culture as Campbell’s tomato soup, Coca ColaKellogg’s and Brillo… They are industrially processed products and they were embodied in the contemporary art by Andy Warhol. Also, there are popular tastes and new food habits of the American middle class and innovative and successful marketing and advertising strategies. In this context, a large group of artists are seduced by the change in ritual food when the consumer society was born and it was influenced by the new culinary offerings, the appearance of numerous food brands, the sales system self-service, fast-food, national distribution and quantity production. Many artists work the act of eating as an individual in the consumer society, while in the 60s of XX century was a massive success, today, is the germ of our society. American artist Lee Price criticizes women’s relationship with food. Presents in her artworks endless food ‘banned’ such as scones, meringues, chocolates, ice cream, cookies, burgers, Doritos … and hypercaloric chaos that breaks through a female figure, his own self, revealing an unhealthy relationship with food.Eating fatty food is is in response to feelings and unsatisfied desires. Lee Price shows the act of eating full of frantic feeling out of control on private and unusual places, such as a tub or a bed, evoking loneliness and intimacy of human beings. In addition, Lee Price emphasizes the social and artistic drama through a perspective view of bird because the woman feels the adventure from outside the field of action, is itself, not able to stop compulsive behavior because it is an addiction.

SUNDAY. 48 x 60. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SUNDAY. 48 x 60. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009.  Imágen cedida por la artista Lee Price.

SNACK. 52 x 40. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SNACK. 52 x 40. Óleo/ Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

JELLYDOUGHNUTS. 1608 x 1004. Imágen cedida por la artista Lee Price.

JELLYDOUGHNUTS. 1608 x 1004. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ASLEEP. 56 x 38. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ASLEEP. 56 x 38. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

TEA. 40 x 60. Imágen cedida por la artista Lee Price.

TEA. 40 x 60. Óleo / Lienzo. 2012- 2014. Imágen cedida por la artista Lee Price.

REFUGE. 44 x 64. Óleo / Lino. 2007 - 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

REFUGE. 44 x 64. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SELF PORTRAIT IN TUB WITH CHINESE FOOD. 44 x 44. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

LEMON MERINGUE. 32 x 72. Óleo / Lienzo. 2010 – 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ICE CREAM II. 32 x 65. Óleo / Lienzo. 2010 – 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BOWL. 64 x 28. Óleo / Lienzo. 2012 – 2014. Imágen cedida por la artista Lee Price.

El uso de contenedores marítimos en arquitectura está comenzando a experimentar un interesante desarrollo y consolidación porque ofrece interesantes soluciones constructivas a bajo costo. En arte contemporáneo, diferentes artistas han empleado el contenedor como instrumento de trabajo y elemento esencial en instalaciones artísticas.

Las formas del arte de la instalación son dispares, autónomas e independientes además empujan al espectador a introducirse en el propio escenario de la obra de arte. A quien la contempla percibe extrañas sensaciones o vive una auténtica experiencia perceptual a través de las nociones de espacio, el tiempo, la narrativa, el medio ambiente, la memoria y la percepción que son desplegados con el fin de crear, ubicar, formar e interrogar e incluso contradecir sus significados.

Así, Darren Almond (Wigan, UK 1971) en el año 2000 presentó Meantime, un contenedor naranja con un enorme reloj digital integrado que ocupó el interior de una galería de arte contemporáneo en New York. Aldmond analiza el devenir del tiempo y su perseverancia la hace patente al introducir un ruido incesante y mecánico en cada uno de los cambios de las placas del reloj.

Darren Almond. MEANTIME 2000.

Darren Almond. MEANTIME 2000.

Por otro lado, Cuco Suárez (Pola de Laviana 1960) presentó en el año 2007 Foots, instalación cinética, en la muestra colectiva y de dispersión geográfica Extensiones y Anclajes, con centro neurálgico La Laboral Centro de Arte y Creación industrial. Suárez colocó en el interior de un contenedor comercial una réplica de su propio cuerpo elaborado en parafina y dispuso velas en su vaciado interior que iban derritiendo el cuerpo hasta hacerlo desaparecer. Además, en el techo del contenedor colgó piernas ortopédicas que se balanceaban ininterrumpidamente y producían un sonido mecánico e inquietante. Foots escenifica una violencia y una tensión en un espacio opresivo reforzadas por un autorretrato en actitud mortuoria y por la cantidad de mutilaciones de miembros, en clara referencia a lo que sucede en lugares de conflicto, y que no se contabilizan como los muertos.

CUCO SUAREZ. Foots. 2007. Imágen cedida por  Cuco Suárez.

CUCO SUAREZ. Foots. 2007. Imágen cedida por Cuco Suárez.

El uso del contenedor en Meantime (2000) y Foots (2007) hace referencia a la idea de viaje, sin desvirtuar su uso primario pero si su contenido.

Using sea containers in architecture are beginning to experience an interesting development and consolidation because it offers interesting constructive solutions at low cost. In contemporary art, different artists have used the container as a working tool and essential element in art installations. The forms of installation art are mixed, autonomous and independent also push the viewer to enter into the scenario of the artwork. At the beholder perceives strange sensations or live a real perceptual experience through the notions of space, time, narrative, environment, memory and perception are deployed in order to create, track, train and question and even contradict their meanings. So, Darren Almond (Wigan, UK 1971) in 2000 showed Meantime, an orange container with a huge digital clock integrated held inside a contemporary art gallery in New York. Aldmond analyzes the evolution of time and perseverance makes patent by introducing a constant and mechanical in each of the plates changes the clock noise. Furthermore, Cuco Suárez (Pola de Laviana 1960) showed in 2007 Foots, kinetic installation, in an exhibition which is called Extensions and Anchors in La Laboral Art and Industrial Creation. Suárez placed inside a commercial container a replica of his own body produced paraffin candles arranged in emptying that were melting inside the body to make it disappear. In addition, the container ceiling hung prosthetic legs swaying steadily and produced a mechanical and haunting sound. Foots staged violence and tension in an oppressive space enhanced by a self-portrait in mortuary attitude and the amount of mutilation of members, a clear reference to what happens in places of conflict, and not counted as dead. The use of container in Meantime (2000) and Foots (2007) refers to the idea of travel, without impairing its use but if your content.

Cada proyecto de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) se abre paso de manera silenciosa y muy sutil en un espacio y tiempo determinado. La sensibilidad contenida en sus obras es generada por sus propias experiencias vitales que convierte en propuestas artísticas de una belleza exquisita, no solo en el campo pictórico también en escultura y video.

Los principales elementos diferenciadores en la obra de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) son el tratamiento cinematográfico de las escenas y el empleo de la luz. La mayoría de sus temas pictóricos representan escenas al aire libre, lugares públicos, paisajes, bosques, parques, aeropuertos, estaciones… prácticamente vacíos para subrayar la soledad de los personajes representados y otorgar al espacio circundante la notoriedad que se merece.

Sus pinturas generan una asombrosa sensación a quien las observa porque impulsa a buscar la información y la interacción con su ambiente natural, con otros seres y con la propia obra que hace suya durante el pequeño lapso de tiempo que dura la contemplación.

La serie Love is Blue de 2013  sienta las bases de lo que supone un hito en su trayectoria porque en 2014 la obra de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) da un giro de 180º. En proyectos anteriores jugaba con el ocaso, ahora, su obra discurre en la noche. El dramatismo escenográfico se acentúa a través de los fuertes contrastes de luces y sombras y, cabe destacar, que los personajes dejan de ser anónimos pero aún conservan el halo de misterio tan característico en la figuración de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974).

Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) bebe las influencias de grandes artistas como Hopper, Vermeer, Caspar Friedrich, Turner, Anselm Kiefer, Lucien Freud, David Hockney, Morandi, Degas, Botticelli, Antonio López, Galano, Melquiades Alvarez, Piñole, Faustino Ruiz de la Peña y Chechu Alava entre otros.

Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) shows sensitivity through his paintings which are determined by time and space. The sensitivity is contained in his works and it is generated by their own life experiences. The results are grateful in paint, sculpture and video. The main features in Federico Granell’s work (Cangas del Narcea 1974) arethe cinematic treatment of the scenes and the use of light. Most of his pictorial themes depicting scenes outdoors, public places, landscapes, forests, parks, airports, train… practically empty because Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) want to emphasize the loneliness of the characters represented. His paintings create an amazing feeling. If you observe his paintings, you will look for information about them or you will be able to remember a memento which you have lived. Love is Blue is a proyect which showed in 2013. I think It is important because in 2014 Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) research new ways and his paintings change. Currently, He runs his work at night, the theatrical drama is accentuated by strong contrasts of light and shadow and noteworthy, that the characters are no longer anonymous but still retain a sense of mystery so characteristic figuration of Federico Granell (Cangas del Narcea 1974). Hopper, Vermeer, Caspar Friedrich, Turner, Anselm Kiefer, Lucien Freud, David Hockney, Morandi, Degas, Botticelli, Antonio López, Galano, Melquiades Alvarez, Pinole, Faustino Ruiz de la Peña and Chechu Alava and others are some artists as inspiration for Federico Granell (Cangas del Narcea 1974).

LA PUERTA. Serie Love is Blue. Instalación. 2013.

LA PUERTA. Serie Love is Blue. Instalación. 2013. Imágen cedida por  Federico Granell.

LOS VIAJES POR VENIR. Serie Love is Blue. Instalación. 2013.

LOS VIAJES POR VENIR. Serie Love is Blue. Instalación. 2013. Imágen cedida por Federico Granell.

TRAMONTO.Serie Love is Blue. 2013. Óleo|lino. 33x46 cm.

TRAMONTO.Serie Love is Blue. 2013. Óleo|lino. 33×46 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

ALLA SE VA... .Serie Love is Blue. 2013. Óleo|Tabla. 60 cm diametro.

ALLÁ SE VA… . Serie Love is Blue. 2013. Óleo| Tabla. 60 cm diametro. Imágen cedida por Federico Granell.

HAY UNA LUZ QUE NUNCA SE APAGARA. Serie Love is Blue. 2013. 46x54 cm

HAY UNA LUZ QUE NUNCA SE APAGARA. Serie Love is Blue. 2013. Óleo | Lino. 146×54 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

NOCHE CERRADA. Serie Love is Blue. 2013. Óleo|Tabla. 54 x 146 cm.

NOCHE CERRADA. Serie Love is Blue. 2013. Óleo|Tabla. 54 x 146 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

ALLA SE VA... .Serie PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Lienzo. 38 x 55 cm.

PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Lienzo. 38 x 55 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Tabla. 38 x 46 cm.

PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Tabla. 38 x 46 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

DESCUBRIMIENTO. 2014. Óleo|Tabla. 100 x 81 cm.

DESCUBRIMIENTO. 2014. Óleo|Tabla. 100 x 81 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

B A N K S Y

No Ball Games by Banksy

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B A M B I

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 BAMBI Feb 2013

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