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Cada proyecto de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) se abre paso de manera silenciosa y muy sutil en un espacio y tiempo determinado. La sensibilidad contenida en sus obras es generada por sus propias experiencias vitales que convierte en propuestas artísticas de una belleza exquisita, no solo en el campo pictórico también en escultura y video.

Los principales elementos diferenciadores en la obra de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) son el tratamiento cinematográfico de las escenas y el empleo de la luz. La mayoría de sus temas pictóricos representan escenas al aire libre, lugares públicos, paisajes, bosques, parques, aeropuertos, estaciones… prácticamente vacíos para subrayar la soledad de los personajes representados y otorgar al espacio circundante la notoriedad que se merece.

Sus pinturas generan una asombrosa sensación a quien las observa porque impulsa a buscar la información y la interacción con su ambiente natural, con otros seres y con la propia obra que hace suya durante el pequeño lapso de tiempo que dura la contemplación.

La serie Love is Blue de 2013  sienta las bases de lo que supone un hito en su trayectoria porque en 2014 la obra de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) da un giro de 180º. En proyectos anteriores jugaba con el ocaso, ahora, su obra discurre en la noche. El dramatismo escenográfico se acentúa a través de los fuertes contrastes de luces y sombras y, cabe destacar, que los personajes dejan de ser anónimos pero aún conservan el halo de misterio tan característico en la figuración de Federico Granell (Cangas del Narcea 1974).

Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) bebe las influencias de grandes artistas como Hopper, Vermeer, Caspar Friedrich, Turner, Anselm Kiefer, Lucien Freud, David Hockney, Morandi, Degas, Botticelli, Antonio López, Galano, Melquiades Alvarez, Piñole, Faustino Ruiz de la Peña y Chechu Alava entre otros.

Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) shows sensitivity through his paintings which are determined by time and space. The sensitivity is contained in his works and it is generated by their own life experiences. The results are grateful in paint, sculpture and video. The main features in Federico Granell’s work (Cangas del Narcea 1974) arethe cinematic treatment of the scenes and the use of light. Most of his pictorial themes depicting scenes outdoors, public places, landscapes, forests, parks, airports, train… practically empty because Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) want to emphasize the loneliness of the characters represented. His paintings create an amazing feeling. If you observe his paintings, you will look for information about them or you will be able to remember a memento which you have lived. Love is Blue is a proyect which showed in 2013. I think It is important because in 2014 Federico Granell (Cangas del Narcea 1974) research new ways and his paintings change. Currently, He runs his work at night, the theatrical drama is accentuated by strong contrasts of light and shadow and noteworthy, that the characters are no longer anonymous but still retain a sense of mystery so characteristic figuration of Federico Granell (Cangas del Narcea 1974). Hopper, Vermeer, Caspar Friedrich, Turner, Anselm Kiefer, Lucien Freud, David Hockney, Morandi, Degas, Botticelli, Antonio López, Galano, Melquiades Alvarez, Pinole, Faustino Ruiz de la Peña and Chechu Alava and others are some artists as inspiration for Federico Granell (Cangas del Narcea 1974).

LA PUERTA. Serie Love is Blue. Instalación. 2013.

LA PUERTA. Serie Love is Blue. Instalación. 2013. Imágen cedida por  Federico Granell.

LOS VIAJES POR VENIR. Serie Love is Blue. Instalación. 2013.

LOS VIAJES POR VENIR. Serie Love is Blue. Instalación. 2013. Imágen cedida por Federico Granell.

TRAMONTO.Serie Love is Blue. 2013. Óleo|lino. 33x46 cm.

TRAMONTO.Serie Love is Blue. 2013. Óleo|lino. 33×46 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

ALLA SE VA... .Serie Love is Blue. 2013. Óleo|Tabla. 60 cm diametro.

ALLÁ SE VA… . Serie Love is Blue. 2013. Óleo| Tabla. 60 cm diametro. Imágen cedida por Federico Granell.

HAY UNA LUZ QUE NUNCA SE APAGARA. Serie Love is Blue. 2013. 46x54 cm

HAY UNA LUZ QUE NUNCA SE APAGARA. Serie Love is Blue. 2013. Óleo | Lino. 146×54 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

NOCHE CERRADA. Serie Love is Blue. 2013. Óleo|Tabla. 54 x 146 cm.

NOCHE CERRADA. Serie Love is Blue. 2013. Óleo|Tabla. 54 x 146 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

ALLA SE VA... .Serie PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Lienzo. 38 x 55 cm.

PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Lienzo. 38 x 55 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Tabla. 38 x 46 cm.

PARA ILUMINAR UN BOSQUE. 2014. Óleo|Tabla. 38 x 46 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

DESCUBRIMIENTO. 2014. Óleo|Tabla. 100 x 81 cm.

DESCUBRIMIENTO. 2014. Óleo|Tabla. 100 x 81 cm. Imágen cedida por Federico Granell.

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Santiago Lara (Tomelloso 1975) es un analista y catalizador social de un mundo provocador, agitado y enajenado. Aprehende, reflexiona y, a través de la pintura, revela sus propuestas conceptuales como conciencia crítica de la cultura ante la alienación social implacable.

La Montaña del diablo y Reset Cinema, son dos proyectos en los que Santiago Lara (Tomelloso 1975) construye escenarios naturales, irreales, mágicos, llenos de fuerza, a los cuales dota de vida a través de personajes anónimos, fantasmagóricos y ficticios. La singularidad de ambos proyectos radica en la evolución alegórica y conceptual de la expresión latina ‘’memento mori’’.

En La Montaña del Diablo Santiago Lara (Tomelloso 1975) ofrece una visión metafórica de la condición humana porque en ella se deposita, a modo de sedimento, todo aquello que el ser humano quiere silenciar. El abandono ante las inclemencias de la naturaleza engendra personajes quiméricos que danzan en una atmosfera teñida por el color rojo, personificación de la desolación social, que a su vez es contrarrestada por la luminosidad del blanco, como bálsamo reparador de sus efectos.

En cambio, los personajes que habitan Reset Cinema portan cámaras digitales, cinematográficas y teléfonos móviles con el fin de capturar un momento efímero y preservarlo en el tiempo. Se convierten en narradores y actores de un mundo ficticio y testigos de su propia historia hasta que son interrumpidos por seres fantasmagóricos que toman el relevo.

Ambos proyectos, La Montaña del diablo y Reset Cinema, ofrecen una visión circunstancial de un lugar determinado en un tiempo limitado. El site-specificity se convierte en un emblema de transitoriedad y fugacidad, es el memento mori de la obra de Santiago Lara (Tomelloso 1975).

Santiago Lara (Tomelloso 1975) thinks about culture and community. He studies the world around him, thinks and shows his conceptual proposal through paint. La Montaña del Diablo an Reset Cinema are two projects that  Santiago Lara (Tomelloso 1975) builds natural, unreal, magical scenes and he shows anonymous, spooky and fictional characters too. The uniqueness of both projects is in the allegorical and conceptual evolution of the Latin expression ” memento mori ‘‘. La Montaña del Diablo by  Santiago Lara (Tomelloso 1975) shows a metaphorical vision of the human condition which keep everything that man wants to silence . Artist introduces chimeric characters that dance in an red atmosphere which is the personification of social distress. Santiago Lara uses white color which fixes red color effects. Instead, the characters that live in Reset Cinema, carry digital and movie cameras and mobile phones too. They want to capture a moment in time and preserve it. They become narrators and actors in a fictional world and witness their own history until they are interrupted by ghostly beings that take over. Both projects, La Montaña del Diablo and Reset Cinema offer circumstantial view of a particular place in a limited time. The site- specificity becomes an emblem of transience and fleeting nature which is the memento mori of Santiago Lara’s (Tomelloso 1975) artworks.

Hunters of the new ice. Acrílico sobre lienzo. 100 x 100 cm. 2011. Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

HUNTERS OF THE NEW ICE. Acrílico sobre lienzo 100 x 100 cm. 2011. Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

EL ÚLTIMO DIA. Acrílico sobre tabla 14x14 cm.2014 Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

EL ÚLTIMO DIA. Acrílico sobre tabla. 14×14 cm.2014. Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

Memorias posibles. Acrílico sobre tabla 65 x 85 cm 2013. Serie Reset Cinema. Imagen cedida por el artista Santiago Lara.

MEMORIAS POSIBLES. Acrílico sobre tabla. 65 x 85 cm. 2013. Serie Reset Cinema. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

Una buena tarde. Acrílico sobre tabla 80 x 65 cm 2013. Serie Reset Cinema. Imagen cedida por el artista Santiago Lara.

UNA BUENA TARDE. Acrílico sobre tabla. 80 x 65 cm. 2013. Serie Reset Cinema. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

El bosque de los testigos. Acrílico sobre lienzo 140 x 140 cm 2013. Serie Reset Cinema. Imagen cedida por el artista Santiago Lara.

EL BOSQUE DE LOS TESTIGOS. Acrílico sobre lienzo. 140 x 140 cm. 2013. Serie Reset Cinema. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

 

Muchos han sido los artistas que a lo largo de la historia del arte se enfrentaron al mar como motivo pictórico, pero, para Javier Soto (Sant Gallen 1975) el mar forma parte de su vida y de su mundo interior.

Javier Soto explora todo aquello que le rodea y como individuo se enriquece de experiencias, se apropia de cada una de ellas, las conduce a su mundo más profundo, crea fuertes nexos de unión con las mismas, siente la necesidad de contarlas, y, el resultado es una obra llena de vida, muy íntima, inquietante y misteriosa.

Desde sus inicios como artista, Javier Soto ha creado un lenguaje pictórico propio cargado de símbolos, personajes oníricos y seres fantásticos animados que actúan como entes autónomos pero integrados e interrelacionados en el conjunto de obras que componen cada proyecto. Además, estos seres conviven con un metalenguaje social que fluye dentro de una estética graffitera. Asimismo, destacar, el carácter expresionista de los alemanes Ritcher, Kippenberger y Ohelen y el conceptualismo californiano de Mike Kelley, Jhon Baldessari y Paul Mcarthy como referentes artísticos de Javier Soto.

Actualmente, Javier Soto continúa con la producción de la serie Local Boy donde introduce la idea de autorretrato a través de la creación de un personaje imaginario que se incorpora al extenso catálogo fantástico y, es ahora, el propio artista quien participa como surfista en el inmenso océano de su obra acompañado de bestias marinas, monstruos mitad reales e irreales, dibujos anatómicos, tatuaje Old School, banderas, emblemas y referencias al mundo del surf.

There have been many artists that show the sea in their pictures but Javier Soto (Sant Gallen 1975) lives with the sea because he thinks that it is a part of his life. Javier Soto explores everything around him as a man who lives experiences and then he thinks about them and finally wants to communicate them. The results are full of life, very intimate, haunting and mysterious artworks. From its beginnings as an artist, Javier Soto has created his own pictorial language full of symbols, dream characters and fantastic creatures which make up each project. In addition, He shows graffiti aesthetics and also he has been influenced by german expressionist’s artists such as Richter, Kippenberger, Ohelen and californian conceptual’s artists such as Mike Kelley, John Baldessari and Paul Mcarthy. Currently Javier Soto continues with the production of the Local Boy’s series which introduces the idea of self-portrait through the creation of an imaginary character who joins the fantastic extensive catalog and, now, the artist who participates as a surfer in his artworks and he is accompanied by sea beasts, anatomical drawings, Old School tattoo, flags, emblems and references to the world of surfing.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, acrílico sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, mixta sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, acrílico sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, mixta sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, acrílico sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, mixta sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, acrílico sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, mixta sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, acrílico sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, mixta sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, acrílico sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, mixta sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, acrílico sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Serie LOCAL BOY.S/T. 170 x 145 cm, mixta sobre tela. Imágen cedida por Javier Soto.

Cuando me detengo ante una obra de arte siempre me pregunto ¿será objeto de estudio dentro de 100 años? Una de las variables que siempre debemos de tener en cuenta es el paso del tiempo aplicado a la esencia vital de la obra de arte. La pieza efímera, El Chabolu, proyectada por el artista multidisciplinar Cuco Suárez en el año 1990 y exhibida en el MEAC Museo Español de Arte Contemporáneo, antecesor del actual Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía es un ejemplo de perdurabilidad en el tiempo.

El Chabolu es una edificación que se levanta utilizando viejas latas de aceite, botes de Colacao o de pimentón choricero y se techa usando hojas de latas bien aseguradas contra el viento por piedras de considerable tamaño. Su interior está decorado con ajos, cebollas, patatas, paraguas, un mono de faena colgado, aperos, una radio antigua, láminas de la Virgen de Fátima y de Covadonga, un sifón, fotos del ingreso de bachillerato, una caja de puros Farias, un anuncio contra las carreras de medias… El espacio circundante exterior está vivo gracias al diálogo que se establece entre la edificación, el espacio natural que lo rodea y las gallinas vivas que merodean a su alrededor.

Es una solución constructiva tan interesante que, aunque solo se dio en Asturias y en una determinada zona geográfica, las Cuencas Mineras, con el tiempo se fue dispersando hacia otros lugares.

El espectador participa de la memoria colectiva de un pueblo, en el que se esbozan nuestras raíces rurales, y que se opone a en un mundo en el que el hombre es corrompido por las ciudades, la industria, los medios de comunicación… y en el cual la etnografía ha pasado a un segundo plano o incluso parece oculta.

El Chabolu podemos considerarlo como un hito artístico porque dota de virtualidad el proceso de traslación de un paisaje típico, en este caso el asturiano de los años 60, al presente. Su descontextualización plantea una arqueología sentimental de la cultura popular, muestra el valor que le otorga quién lo habita, al tiempo que da a conocer la forma de vida y de sentir.

When I look at a work of art I ask myself a question: What will it be like studied in another 100 years? The time is one of variables that we must know it because it is applied to the vital essence of the art piece. The Chabolu was designed in 1990 by artist Cuco Suárez and it was exhibited at the MEAC Spanish Museum of Contemporary Art, predecessor of the current National Museum Centro de Arte Reina Sofía.
The Chabolu is an example of durability over time. The Chabolu was built with popular materials such as old oil cans, Cola Cao’s and paprika’s boxes. Inside is decorated too with garlic, onions, potatoes, umbrellas, work clothes, tools, vintage radio, Farias’ box, a picture which shows a classroom in high school and two stamps which show Covadonga Virgin and Fatima Virgin… On the other hand there are chickens and a vegetable patch outside the Chabolu. All of them organized an interesting constructive solution which is typical erection in Asturias in the 60s. The public is involved in the collective memory of a people which is struggling with a world where a man lives and is corrupted by cities, industry, the media … and the ethnography which has gone into the background or even seems hidden. The Chabolu was built in a museum and Cuco Suárez want to show a sentimental archeology, popular culture, the value of those who lives there, his style life and his feelings.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990.  Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.