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Recuerdo, cuando, una profesora de la facultad de Historia del Arte, nos dijo sin titubeos: que nadie os engañe, el ser humano tiene la capacidad de entender el arte hasta el siglo XIX, de ahí en adelante, son horas de duro trabajo y mucha pasión. Y no le faltaba razón.

El arte emergente, de hoy en día, es un fiel reflejo de nuestra sociedad globalizada, y con el tiempo, las múltiples expresiones artísticas se convertirán en un documento indispensable para el estudio social, histórico, político, económico y estético de nuestro mundo.

Ambas ideas son vertebradoras en la producción de un joven artista brasileño, André Feliciano. Por un lado, el artista se pregunta, si una persona cultivada es alguien interesado en el arte, ¿por qué el arte mismo no puede ser cultivado también?

André Feliciano entiende el arte emergente como la semilla que el artista cultiva en un vasto campo, que debe cuidarse y vigilar el nacimiento de sus primeros brotes. Pero, según postula André Feliciano esto no sucederá hasta dentro de tres siglos cuando germine el arte de hoy en día y se hable entonces de arte floreciente.

En este periodo pre-floreciente André Feliciano siembra un arte de probeta, cultiva tulipanes, lirios, girasoles y rosas entre otras, pero no son flores al uso son pequeñas cámaras de fotos polinizadas de imágenes que captan instantes vivos que se almacenarán como riego necesario para hacer brotar el arte Floreciente.

El arte Floreciente es un injerto entre la primavera y el Renacimiento, una mezcla de tiempos de la naturaleza y la historia del arte, el arte esta vivo y forma parte de la vida de todos y cada uno de nosotros.

I remember when a professor from the Faculty of History of Art told us: people have the ability to understand the art until 19th Century, thereafter, people should work hard and to being passionate about contemporary art. The contemporary art shows our global society and over time, the multiple artistic expressions will become an essential document for historical, political, economic and aesthetic study of our social world. A young Brazilian artist, called André Feliciano, works with both these ideas. On one hand, the artist asks, if a grown person is someone interested in art, why art itself also can not be cultivated? André Feliciano understands emerging art as an artist who seed grown in a field which should take care and oversee the birth of their first shoots. But, according to André Feliciano, It will not start to germinate in the coming three centuries when the art of today will be able flourhish and then we will be able talk about flourishing art. In this time, André Feliciano grows tulips, lilies, sunflowers and roses among other, but not to use flowers, he uses small cameras pollinated of images which are captured in special moments. All photos will be irrigation in order to bring out burgeoning art. The Flourishing Art is a graft between the spring and Renaissance times a mixture of nature and the history of art, art is alive and will be part of the life of each and every one of us.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Installation. Bossy Gallery by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Installation. Bossy Gallery by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York.  2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York.  2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photo Ville by André Feliciano. New York. 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Photography Harvest by André Feliciano . New York 2013. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

Installation by André Feliciano. Zipper Galeria. Sao Paulo. 2012. Image courtesy of André Feliciano.

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Todas y cada una de las expresiones artísticas en las diferentes disciplinas narran historias, reales, imaginarias, fantásticas… Pero, ¿podemos incluir dentro de las categorías artísticas el término videojuego?

De lo que si estamos seguros es que son ejemplos de la interacción con el diseño y la creatividad contemporánea. Además, factores como la calidad visual, la experiencia y expresión estética, innovaciones tecnológicas y la relevancia histórica y cultural se tienen en cuenta a la hora de determinar la artisticidad en los videojuegos.

El MOMA de New York ha mostrado su apoyo al mundo de los videojuegos adquiriendo una serie de títulos que reúnen todas las características para ser considerados piezas de arte como Magnabox Odyssey (1972), Pong (1972), Space Invaders (1978), Asteroids (1979), Pac – Man (1980), Tempest (1981), La Venganza de Yars (1982), Tetris (1984), Another World (1991), Myst (1993), Vib – Ribbon (1999), Sim City (2000), Eve Online (2003), Katamari Damacy (2004), Dwarf Fortress (2006), Flow (2006), Portal (2007), Passage (2008), Canabalt (2009) y Minecraft (2011). Además, ha anunciado su intención de aumentar su catálogo incluyendo Snake (1970) y Snake (1997) para móviles Nokia, Zork (1979), Donkey Kong (1981), M.U.L.E. (1983), Core War (1984), Marble Madness (1984), Super Mario Bros (1985), The Legend of Zelda (1986), NetHack (1987), Street Fighter II (1991), Chrono Trigger (1995), Super Mario 64 (1996), Grim Fandango (1998) y Animal Crossing (2001).

Artistic expressions in various disciplines tell stories which are real, imaginary, fantastic … However, Could we include videogame in the term artistic categories? We are sure that they are examples of interaction with design and contemporary creativity.  Also, factors such as visual quality, experience and aesthetic expression, technological innovations and the historical and cultural relevance are taken into account when selecting those games that have marked a before and after in this broad artistic field that much remains explore. The MOMA in New York has shown its support for acquiring a series of videogame titles which have all the qualities to be considered art pieces as Magnabox Odyssey (1972), Pong (1972), Space Invaders (1978), Asteroids (1979) Pac – Man (1980), Tempest (1981), The Yars Revenge (1982) Tetris (1984), Another World (1991), Myst (1993), Vib – Ribbon (1999), Sim City (2000) Eve Online (2003), Katamari Damacy (2004), Dwarf Fortress (2006), Flow (2006), Portal (2007), Passage (2008), Canabalt (2009) and Minecraft (2011). It has also announced its intention to increase its catalog including Snake (1970) and Snake (1997) for mobile Nokia, Zork (1979), Donkey Kong (1981), M.U.L.E (1983), Core War (1984), Marble Madness (1984), Super Mario Bros (1985), The Legend of Zelda (1986), NetHack (1987), Street Fighter II (1991), Chrono Trigger (1995) Super Mario 64 (1996), Grim Fandango (1998) and Animal Crossing (2001).

Pong (1972)

Pong (1972)

Space Invaders (1978)

Space Invaders (1978)

Pac - Man (1980)

Pac – Man (1980)

Tetris (1984)

Tetris (1984)

Sim City (2000)

Sim City (2000)

Donkey Kong (1981)

Donkey Kong (1981)

Super Mario Bros (1985)

Super Mario Bros (1985)

The Legend of Zelda (1986)

The Legend of Zelda (1986)

En los años 50 y 60 del siglo XX, en Estados Unidos, se origina una renovación culinaria, nuevos productos se convertirán en iconos de la cultura americana como la sopa de tomate Campbell, la Coca Cola, los kellog’s y el detergente Brillo… productos elaborados industrialmente y consagrados artísticamente gracias a Andy Warhol. Además se evidencia los gustos populares y nuevos hábitos alimenticios de la clase media americana y las innovadoras y exitosas estrategias de marketing y publicidad.

En este contexto, proliferan un nutrido grupo de artistas seducidos por el cambio que el ritual de comida había experimentado con el nacimiento de la sociedad de consumo, potenciado por las nuevas propuestas gastronómicas, la aparición de numerosas marcas alimenticias, el sistema de venta self-service, cadenas de fast-food, redes nacionales de distribución y la producción seriada hecha a máquina de numerosos productos.

Muchos son los artistas que trabajan el individualismo del acto de comer entendido como un bien de consumo, mientras que en los años 60 del siglo XX fue un éxito de masas, en la actualidad, es el germen de nuestra sociedad.

La artista americana Lee Price critica vorazmente la relación de la mujer con la comida. Presenta en sus obras un sinfín de alimentos ‘’prohibidos’’ tales como bollos, merengues, bombones, helados, galletas, hamburguesas, Doritos… y en ese caos hipercalórico se abre paso una figura femenina, su propio autorretrato, que revela una relación enfermiza con la comida.

La ingesta compulsiva de alimentos ‘’basura’’ se produce como respuesta a sentimientos y deseos no satisfechos. Lee Price escenifica el acto de comer cargado de una frenética sensación fuera de control en lugares privados e inusuales, como una bañera o una cama, que evocan la soledad e intimidad del ser humano. Además, Lee Price acentúa el dramatismo social y artístico a través de una perspectiva a vista de pájaro porque la mujer siente que vive la experiencia desde fuera del campo de actuación, se ve a sí misma, no es capaz de parar una conducta compulsiva porque es una adicción.

In the 50s and 60s of the twentieth century in America appear new products which will become icons of American culture as Campbell’s tomato soup, Coca ColaKellogg’s and Brillo… They are industrially processed products and they were embodied in the contemporary art by Andy Warhol. Also, there are popular tastes and new food habits of the American middle class and innovative and successful marketing and advertising strategies. In this context, a large group of artists are seduced by the change in ritual food when the consumer society was born and it was influenced by the new culinary offerings, the appearance of numerous food brands, the sales system self-service, fast-food, national distribution and quantity production. Many artists work the act of eating as an individual in the consumer society, while in the 60s of XX century was a massive success, today, is the germ of our society. American artist Lee Price criticizes women’s relationship with food. Presents in her artworks endless food ‘banned’ such as scones, meringues, chocolates, ice cream, cookies, burgers, Doritos … and hypercaloric chaos that breaks through a female figure, his own self, revealing an unhealthy relationship with food.Eating fatty food is is in response to feelings and unsatisfied desires. Lee Price shows the act of eating full of frantic feeling out of control on private and unusual places, such as a tub or a bed, evoking loneliness and intimacy of human beings. In addition, Lee Price emphasizes the social and artistic drama through a perspective view of bird because the woman feels the adventure from outside the field of action, is itself, not able to stop compulsive behavior because it is an addiction.

SUNDAY. 48 x 60. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SUNDAY. 48 x 60. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009.  Imágen cedida por la artista Lee Price.

SNACK. 52 x 40. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SNACK. 52 x 40. Óleo/ Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

JELLYDOUGHNUTS. 1608 x 1004. Imágen cedida por la artista Lee Price.

JELLYDOUGHNUTS. 1608 x 1004. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ASLEEP. 56 x 38. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ASLEEP. 56 x 38. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

TEA. 40 x 60. Imágen cedida por la artista Lee Price.

TEA. 40 x 60. Óleo / Lienzo. 2012- 2014. Imágen cedida por la artista Lee Price.

REFUGE. 44 x 64. Óleo / Lino. 2007 - 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

REFUGE. 44 x 64. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SELF PORTRAIT IN TUB WITH CHINESE FOOD. 44 x 44. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

LEMON MERINGUE. 32 x 72. Óleo / Lienzo. 2010 – 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ICE CREAM II. 32 x 65. Óleo / Lienzo. 2010 – 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BOWL. 64 x 28. Óleo / Lienzo. 2012 – 2014. Imágen cedida por la artista Lee Price.

Santiago Lara (Tomelloso 1975) es un analista y catalizador social de un mundo provocador, agitado y enajenado. Aprehende, reflexiona y, a través de la pintura, revela sus propuestas conceptuales como conciencia crítica de la cultura ante la alienación social implacable.

La Montaña del diablo y Reset Cinema, son dos proyectos en los que Santiago Lara (Tomelloso 1975) construye escenarios naturales, irreales, mágicos, llenos de fuerza, a los cuales dota de vida a través de personajes anónimos, fantasmagóricos y ficticios. La singularidad de ambos proyectos radica en la evolución alegórica y conceptual de la expresión latina ‘’memento mori’’.

En La Montaña del Diablo Santiago Lara (Tomelloso 1975) ofrece una visión metafórica de la condición humana porque en ella se deposita, a modo de sedimento, todo aquello que el ser humano quiere silenciar. El abandono ante las inclemencias de la naturaleza engendra personajes quiméricos que danzan en una atmosfera teñida por el color rojo, personificación de la desolación social, que a su vez es contrarrestada por la luminosidad del blanco, como bálsamo reparador de sus efectos.

En cambio, los personajes que habitan Reset Cinema portan cámaras digitales, cinematográficas y teléfonos móviles con el fin de capturar un momento efímero y preservarlo en el tiempo. Se convierten en narradores y actores de un mundo ficticio y testigos de su propia historia hasta que son interrumpidos por seres fantasmagóricos que toman el relevo.

Ambos proyectos, La Montaña del diablo y Reset Cinema, ofrecen una visión circunstancial de un lugar determinado en un tiempo limitado. El site-specificity se convierte en un emblema de transitoriedad y fugacidad, es el memento mori de la obra de Santiago Lara (Tomelloso 1975).

Santiago Lara (Tomelloso 1975) thinks about culture and community. He studies the world around him, thinks and shows his conceptual proposal through paint. La Montaña del Diablo an Reset Cinema are two projects that  Santiago Lara (Tomelloso 1975) builds natural, unreal, magical scenes and he shows anonymous, spooky and fictional characters too. The uniqueness of both projects is in the allegorical and conceptual evolution of the Latin expression ” memento mori ‘‘. La Montaña del Diablo by  Santiago Lara (Tomelloso 1975) shows a metaphorical vision of the human condition which keep everything that man wants to silence . Artist introduces chimeric characters that dance in an red atmosphere which is the personification of social distress. Santiago Lara uses white color which fixes red color effects. Instead, the characters that live in Reset Cinema, carry digital and movie cameras and mobile phones too. They want to capture a moment in time and preserve it. They become narrators and actors in a fictional world and witness their own history until they are interrupted by ghostly beings that take over. Both projects, La Montaña del Diablo and Reset Cinema offer circumstantial view of a particular place in a limited time. The site- specificity becomes an emblem of transience and fleeting nature which is the memento mori of Santiago Lara’s (Tomelloso 1975) artworks.

Hunters of the new ice. Acrílico sobre lienzo. 100 x 100 cm. 2011. Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

HUNTERS OF THE NEW ICE. Acrílico sobre lienzo 100 x 100 cm. 2011. Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

EL ÚLTIMO DIA. Acrílico sobre tabla 14x14 cm.2014 Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

EL ÚLTIMO DIA. Acrílico sobre tabla. 14×14 cm.2014. Serie La Montaña del Diablo. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

Memorias posibles. Acrílico sobre tabla 65 x 85 cm 2013. Serie Reset Cinema. Imagen cedida por el artista Santiago Lara.

MEMORIAS POSIBLES. Acrílico sobre tabla. 65 x 85 cm. 2013. Serie Reset Cinema. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

Una buena tarde. Acrílico sobre tabla 80 x 65 cm 2013. Serie Reset Cinema. Imagen cedida por el artista Santiago Lara.

UNA BUENA TARDE. Acrílico sobre tabla. 80 x 65 cm. 2013. Serie Reset Cinema. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.

El bosque de los testigos. Acrílico sobre lienzo 140 x 140 cm 2013. Serie Reset Cinema. Imagen cedida por el artista Santiago Lara.

EL BOSQUE DE LOS TESTIGOS. Acrílico sobre lienzo. 140 x 140 cm. 2013. Serie Reset Cinema. Imágen cedida por el artista Santiago Lara.