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En los años 50 y 60 del siglo XX, en Estados Unidos, se origina una renovación culinaria, nuevos productos se convertirán en iconos de la cultura americana como la sopa de tomate Campbell, la Coca Cola, los kellog’s y el detergente Brillo… productos elaborados industrialmente y consagrados artísticamente gracias a Andy Warhol. Además se evidencia los gustos populares y nuevos hábitos alimenticios de la clase media americana y las innovadoras y exitosas estrategias de marketing y publicidad.

En este contexto, proliferan un nutrido grupo de artistas seducidos por el cambio que el ritual de comida había experimentado con el nacimiento de la sociedad de consumo, potenciado por las nuevas propuestas gastronómicas, la aparición de numerosas marcas alimenticias, el sistema de venta self-service, cadenas de fast-food, redes nacionales de distribución y la producción seriada hecha a máquina de numerosos productos.

Muchos son los artistas que trabajan el individualismo del acto de comer entendido como un bien de consumo, mientras que en los años 60 del siglo XX fue un éxito de masas, en la actualidad, es el germen de nuestra sociedad.

La artista americana Lee Price critica vorazmente la relación de la mujer con la comida. Presenta en sus obras un sinfín de alimentos ‘’prohibidos’’ tales como bollos, merengues, bombones, helados, galletas, hamburguesas, Doritos… y en ese caos hipercalórico se abre paso una figura femenina, su propio autorretrato, que revela una relación enfermiza con la comida.

La ingesta compulsiva de alimentos ‘’basura’’ se produce como respuesta a sentimientos y deseos no satisfechos. Lee Price escenifica el acto de comer cargado de una frenética sensación fuera de control en lugares privados e inusuales, como una bañera o una cama, que evocan la soledad e intimidad del ser humano. Además, Lee Price acentúa el dramatismo social y artístico a través de una perspectiva a vista de pájaro porque la mujer siente que vive la experiencia desde fuera del campo de actuación, se ve a sí misma, no es capaz de parar una conducta compulsiva porque es una adicción.

In the 50s and 60s of the twentieth century in America appear new products which will become icons of American culture as Campbell’s tomato soup, Coca ColaKellogg’s and Brillo… They are industrially processed products and they were embodied in the contemporary art by Andy Warhol. Also, there are popular tastes and new food habits of the American middle class and innovative and successful marketing and advertising strategies. In this context, a large group of artists are seduced by the change in ritual food when the consumer society was born and it was influenced by the new culinary offerings, the appearance of numerous food brands, the sales system self-service, fast-food, national distribution and quantity production. Many artists work the act of eating as an individual in the consumer society, while in the 60s of XX century was a massive success, today, is the germ of our society. American artist Lee Price criticizes women’s relationship with food. Presents in her artworks endless food ‘banned’ such as scones, meringues, chocolates, ice cream, cookies, burgers, Doritos … and hypercaloric chaos that breaks through a female figure, his own self, revealing an unhealthy relationship with food.Eating fatty food is is in response to feelings and unsatisfied desires. Lee Price shows the act of eating full of frantic feeling out of control on private and unusual places, such as a tub or a bed, evoking loneliness and intimacy of human beings. In addition, Lee Price emphasizes the social and artistic drama through a perspective view of bird because the woman feels the adventure from outside the field of action, is itself, not able to stop compulsive behavior because it is an addiction.

SUNDAY. 48 x 60. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SUNDAY. 48 x 60. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009.  Imágen cedida por la artista Lee Price.

SNACK. 52 x 40. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SNACK. 52 x 40. Óleo/ Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

JELLYDOUGHNUTS. 1608 x 1004. Imágen cedida por la artista Lee Price.

JELLYDOUGHNUTS. 1608 x 1004. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ASLEEP. 56 x 38. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ASLEEP. 56 x 38. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

TEA. 40 x 60. Imágen cedida por la artista Lee Price.

TEA. 40 x 60. Óleo / Lienzo. 2012- 2014. Imágen cedida por la artista Lee Price.

REFUGE. 44 x 64. Óleo / Lino. 2007 - 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

REFUGE. 44 x 64. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

SELF PORTRAIT IN TUB WITH CHINESE FOOD. 44 x 44. Óleo / Lienzo. 2007 – 2009. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

LEMON MERINGUE. 32 x 72. Óleo / Lienzo. 2010 – 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

ICE CREAM II. 32 x 65. Óleo / Lienzo. 2010 – 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BLUEBERRY PANCAKES. 65 x 30. Óleo / Lino. 2010 - 2012. Imágen cedida por la artista Lee Price.

BOWL. 64 x 28. Óleo / Lienzo. 2012 – 2014. Imágen cedida por la artista Lee Price.

Cuando me detengo ante una obra de arte siempre me pregunto ¿será objeto de estudio dentro de 100 años? Una de las variables que siempre debemos de tener en cuenta es el paso del tiempo aplicado a la esencia vital de la obra de arte. La pieza efímera, El Chabolu, proyectada por el artista multidisciplinar Cuco Suárez en el año 1990 y exhibida en el MEAC Museo Español de Arte Contemporáneo, antecesor del actual Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía es un ejemplo de perdurabilidad en el tiempo.

El Chabolu es una edificación que se levanta utilizando viejas latas de aceite, botes de Colacao o de pimentón choricero y se techa usando hojas de latas bien aseguradas contra el viento por piedras de considerable tamaño. Su interior está decorado con ajos, cebollas, patatas, paraguas, un mono de faena colgado, aperos, una radio antigua, láminas de la Virgen de Fátima y de Covadonga, un sifón, fotos del ingreso de bachillerato, una caja de puros Farias, un anuncio contra las carreras de medias… El espacio circundante exterior está vivo gracias al diálogo que se establece entre la edificación, el espacio natural que lo rodea y las gallinas vivas que merodean a su alrededor.

Es una solución constructiva tan interesante que, aunque solo se dio en Asturias y en una determinada zona geográfica, las Cuencas Mineras, con el tiempo se fue dispersando hacia otros lugares.

El espectador participa de la memoria colectiva de un pueblo, en el que se esbozan nuestras raíces rurales, y que se opone a en un mundo en el que el hombre es corrompido por las ciudades, la industria, los medios de comunicación… y en el cual la etnografía ha pasado a un segundo plano o incluso parece oculta.

El Chabolu podemos considerarlo como un hito artístico porque dota de virtualidad el proceso de traslación de un paisaje típico, en este caso el asturiano de los años 60, al presente. Su descontextualización plantea una arqueología sentimental de la cultura popular, muestra el valor que le otorga quién lo habita, al tiempo que da a conocer la forma de vida y de sentir.

When I look at a work of art I ask myself a question: What will it be like studied in another 100 years? The time is one of variables that we must know it because it is applied to the vital essence of the art piece. The Chabolu was designed in 1990 by artist Cuco Suárez and it was exhibited at the MEAC Spanish Museum of Contemporary Art, predecessor of the current National Museum Centro de Arte Reina Sofía.
The Chabolu is an example of durability over time. The Chabolu was built with popular materials such as old oil cans, Cola Cao’s and paprika’s boxes. Inside is decorated too with garlic, onions, potatoes, umbrellas, work clothes, tools, vintage radio, Farias’ box, a picture which shows a classroom in high school and two stamps which show Covadonga Virgin and Fatima Virgin… On the other hand there are chickens and a vegetable patch outside the Chabolu. All of them organized an interesting constructive solution which is typical erection in Asturias in the 60s. The public is involved in the collective memory of a people which is struggling with a world where a man lives and is corrupted by cities, industry, the media … and the ethnography which has gone into the background or even seems hidden. The Chabolu was built in a museum and Cuco Suárez want to show a sentimental archeology, popular culture, the value of those who lives there, his style life and his feelings.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990.  Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.

EL CHABOLU. 1990. Museo Español de Arte Contemporáneo. Imágen cedida por Cuco Suárez.